Gletscher sind Archive der Zeit. Sie speichern Jahrtausende von Klima, Bewegung und Erinnerung. Doch während sie verschwinden, verschwindet nicht nur Eis – auch ein Teil unserer Beziehung zur Landschaft, zu Geschichte und zu uns selbst gerät ins Wanken. Die Ausstellung missing glaciers – missing me beschäftigt sich mit dem Verlust von Gletschern als ökologischem, aber auch als persönlichem und emotionalem Phänomen. Zwischen Naturbeobachtung und Selbstbefragung entsteht ein Raum, in dem die Grenzen zwischen äußerer Landschaft und innerer Wahrnehmung verschwimmen. Im Zentrum der Installation liegt ein aus Rettungsfolien gewebter Teppich, der durch Ventilatoren ständig in Bewegung gehalten wird. Die schimmernde Oberfläche erinnert an Wasser, Eis und Lichtreflexe, zugleich verweist sie auf jene weißen Schutzplanen, mit denen heute versucht wird, einzelne Gletscherflächen vor dem Abschmelzen zu bewahren. Die Rettungsfolie wird dabei zum Symbol eines paradoxen Zustands: des menschlichen Wunsches zu bewahren, was bereits unwiderruflich im Wandel begriffen ist. Folierte Glasplatten durchziehen den Raum. Ihre Farben verändern sich je nach Blickwinkel und Lichteinfall, ähnlich den ständig wechselnden Erscheinungsformen von Eis, Wasser und Atmosphäre. Dazwischen platzierte Spiegel konfrontieren die Besucher*innen immer wieder mit ihrem eigenen Bild. Die Frage nach dem Verschwinden der Gletscher wird damit auch zu einer Frage nach der eigenen Position innerhalb dieser Veränderungsprozesse. Die Malereien greifen Motive von Wasser, Wolken und Eis auf. Große Bildflächen zeigen fragile Zustände zwischen Verdichtung und Auflösung. Andere Arbeiten integrieren Spiegel, die mit Gletscherwasser bespritzt wurden. Die entstandenen Spuren erinnern an beschlagene oder tauende Oberflächen und erzeugen den Eindruck eines Moments unmittelbar nach dem Schmelzen – als wäre die Abwesenheit des Eises noch sichtbar. missing glaciers – missing me versteht den Gletscherschwund nicht allein als Umweltproblem, sondern als Verlust von Erinnerung, Orientierung und Identität. Die Ausstellung lädt dazu ein, über die Verbindung zwischen menschlicher Existenz und den sich verändernden Landschaften nachzudenken – und darüber, was mit uns geschieht, wenn das verschwindet, was lange als selbstverständlich galt.

Ausstellung im Schaufenster des Circolo Konzept Postkarten Urtijëi – Muriel Senoner Die Postkartenserie „Urtijëi“ bildet die zweite Phase des gleichnamigen Projekts, welches 2015 mit einer lokalen Umfrage und einer anschließenden Ausstellung im Circolo St. Ulrich begann. Der Massentourismus mit all seinen Folgen ist ein Phänomen, das im Laufe der Jahrzehnte zum bestimmenden Faktor des Alltagslebens der Bewohner:innen geworden ist. In diesem Kontext wird die Postkarte als Kommunikationsmittel mit starker nostalgischer Wirkung wiederbelebt – ein Objekt, das mittlerweile im Niedergang begriffen ist und weitgehend von der Unmittelbarkeit der sozialen Medien verdrängt wurde. Im Schaufenster des Circolo werden die Postkarten von Muriel Senoner als Pop-up-Ausstellung zu sehen sein. Gleichzeitig sind sie an verschiedenen Orten im Dorf erhältlich. Das Ausgangsmaterial besteht aus Bildmaterial von lokalen Amateurfotografen, das von der Künstlerin mithilfe von Instrumenten der künstlichen Intelligenz überarbeitet wurde. Die generierten Bilder inspirieren sich an den Umfrageergebnissen der ersten Projektphase und setzen die Antworten der Bürger:innen visuell um. Die Einbindung künstlicher Intelligenz spielt im kreativen Prozess eine zentrale Rolle: Diese Technologie erzeugt naturgemäß einen visuellen Code, der sich durch hyperrealistische Perfektion mit campigem Beigeschmack, durch die Übertreibung von Klischees und durch einen Verlust an Authentizität auszeichnet. Diese Elemente weisen Parallelen zur künstlichen und stereotypen Ästhetik der örtlichen Tourismusindustrie auf. Die erzeugten Bilder schweben zwischen Realität und Simulacrum und spielen auf die Metamorphose des Ortes an, der sich im Laufe der Zeit in eine künstliche Kulisse verwandelt hat und einer Art „Disneyfizierung“ erlegen ist. Diese Umstände und der fortschreitende Massentourismus haben für einen Teil der Bevölkerung erhebliche Auswirkungen in verschiedenen Bereichen sowie eine fortschreitende Entfremdung vom „Alltäglichen“ zur Folge, wodurch die dystopische Dimension des Phänomens deutlich wird. In „Andere Räume“ theoretisierte Michel Foucault das Konzept der Heterotopie – vom Griechischen heteros (anderes) und topos (Ort) – und definiert es als einen Raum, der physisch in der sozialen Realität existiert, aber nach eigenen Logiken funktioniert, die von der alltäglichen Norm getrennt sind. Die Heterotopie präsentiert sich als ein akribisch organisierter Gegenort, der sich im Gegensatz zur Fragmentierung des Realen als verwirklichte Utopie darstellt. St. Ulrich entspricht perfekt dem Paradigma der illusorischen Heterotopie: ein Raum, der einem prototypischen Ideal folgt und in der Lage ist, die Regeln des Alltagslebens für die Besucher:innen außer Kraft zu setzen, indem er eine ausgewählte und kosmetisch konstruierte Version der Realität bietet. Wie Foucault selbst andeutet, offenbart ein solcher Gegenort die wahre Natur des Realen stärker, als es die Realität selbst vermag. Ausgehend von der Monumentalität der Dolomitenlandschaft – die den Rahmen für eine Ortschaft bildet, die von Baufieber, Hypertourismus und totaler Kommerzialisierung durchdrungen ist – offenbart St. Ulrich seine dystopische Dimension. Die Postkartenmotive sind kein beruhigender Zufluchtsort mehr für den Blick der Betrachter:innen, sondern geben durch den surrealen Eingriff in die Wirklichkeit den düsteren Beigeschmack der touristischen Monokultur frei. Muriel Senoner wurde 1974 in Bozen geboren, wuchs in St. Ulrich auf und besuchte dort die Kunstschule. Sie studierte Bildende Kunst in Berlin, Brescia und Mailand. Ihr künstlerisches Schaffen konzentriert sich auf die Untersuchung alltäglicher Bedingungen, gesellschaftlicher Funktionsweisen und Denksysteme. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Bozen

Die Biennale Gherdëina ist eine internationale Biennale für zeitgenössische Kunst, die in Gröden im Herzen der Dolomiten, einem UNESCO-Welterbe, stattfindet Die Dolomiten bieten eine inspirierende Kulisse, eine atemberaubende Landschaft, handwerkliche Traditionen und Berglegenden – ein idealer Rahmen, um das Konzept der (Future) Paradise Gardens zu erkunden. Diese Gärten, die an der Schnittstelle zwischen natürlicher Erhabenheit und Kulturlandschaft liegen, sind nicht nur als Zufluchtsorte für Flora und Fauna gedacht, sondern auch als Räume, die unser kollektives Streben nach einer Zukunft auf der Grundlage von Gerechtigkeit und Gleichheit widerspiegeln. Hier können Gärten sowohl Körper als auch Geist nähren und als Orte des Rückzugs, der Möglichkeit und der Erneuerung für alle dienen. Die Ausstellung ist in verschiedene Kapitel gegliedert, die jeweils einen anderen Aspekt des vom Menschen geschaffenen Konstrukts namens Garten untersuchen. Symbolisch, metaphorisch und emotional kreisen die Themen um Vorstellungen des “Commoning“ (gemeinsame Nutzung) – wo das Anbauen und Teilen von Nahrung sowie das Pflegen und Bewahren aller Lebensspuren Priorität haben. Ein weiteres Kapitel mit dem Titel “Divine Love and Growth” (Göttliche Liebe und Wachstum), lädt dazu ein, den Garten als Symbol spirituellen Wachstums und transzendenter Entfaltung zu betrachten. Die Ausstellung geht zudem auf das Konzept des “Violent Garden” (Gewaltsamen Gartens), ein, das die dringende Notwendigkeit anspricht, den Garten zu dekolonisieren – anthropozentrische Sichtweisen infrage zu stellen und Raum für Tiere und die Natur zu schaffen, sich frei zu bewegen und Eigenständigkeit zurückzugewinnen. Das Kapitel über ”Queer Ecology” (Queere Ökologie) untersucht, warum die Natur oft als inhärent queer wahrgenommen wird, und erweitert die Diskussion über Diversität und Fluidität innerhalb ökologischer Systeme. Darüber hinaus erforschen wir das “Botanical” (Botanische) – das Ordnen und Klassifizieren von Pflanzen Exemplaren – im Gegensatz zu “Gardens as Spaces for Reflection and Poetry” (Gärten als Räume für Reflexion und Poesie), in denen sich Gärten in Orte der Introspektion, Schönheit und kreativen Fantasie verwandeln.Die Dolomiten bieten eine inspirierende Kulisse, eine atemberaubende Landschaft, handwerkliche Traditionen und Berglegenden – ein idealer Rahmen, um das Konzept der (Future) Paradise Gardens zu erkunden. Diese Gärten, die an der Schnittstelle zwischen natürlicher Erhabenheit und Kulturlandschaft liegen, sind nicht nur als Zufluchtsorte für Flora und Fauna gedacht, sondern auch als Räume, die unser kollektives Streben nach einer Zukunft auf der Grundlage von Gerechtigkeit und Gleichheit widerspiegeln. Hier können Gärten sowohl Körper als auch Geist nähren und als Orte des Rückzugs, der Möglichkeit und der Erneuerung für alle dienen.