Die Ausstellung „The sensible practice“ in der Galerie Antonella Cattani contemporary art zeigt die Werke von acht Künstler, um den "Backstage" der einzelnen Werke zu entdecken und dem Moment ihrer Entstehung näher zu kommen.

Die Realisierung eines Werkes treibt den Künstler tatsächlich zu einer Übung, eine Praxis, die ihn erkennen lässt, wie notwendig die Harmonie zwischen Intuition und Schöpfung ist, während es an der künstlerischen Technik liegt, als Brücke zwischen den Materialien und der Idee zu fungieren.
Das Ergebnis der Ausstellung ist daher eine Reise in die verschiedenen Bedeutungen einer "sensiblen Praxis", durch die anerkannten Persönlichkeiten von:
Mats Bergquist, Julia Bornefeld, Emanuela Fiorelli, Angela Glajcar, Martin Pohl,
Sean Shanahan und Antonella Zazzera.

Die Werke des Künstlers Mats Bergquist (Schweden,1960) erscheinen uns als zeitgenössische Ikonen.
Der Realisierungsprozess ist der von Ikonen. Eine sensible Praxis, die von Bergquist:
der Künstler verwendet Tafeln in Edelhölzern wie Birne oder Kirsche, die mit Schwalbenschwanzverbindungen ohne Hilfe von Nägeln oder chemischen Klebstoffen nach den Methoden mittelalterlicher Ikonen befestigt, dann mit Leinwand aus belgischem Leinen bedeckt und zuletzt mit Gips und Pigmenten imprägniert werden.
Die Holzoberflächen werden schließlich von Hand behandelt und einer sehr harten „labor limae“ unterzogen, um in leicht konkaven oder konvexen Formen gezähmt zu werden, bis eine weiße und undurchsichtige Oberfläche entsteht, die der Maler durch die Anwendung von Enkaustik-Tempera zum Leben erweckt.

Die Aktion des "Bauens", die Antonella Zazzera (Todi, 1976) und Angela Glajcar
(Mainz - D, 1970) gemeinsam ist, wenn auch mit unterschiedlichen Materialien, ist der Ursprung eines einzigartigen Konzepts und Wahrnehmung der Skulptur.
Grundlegend für beide ist die Narrativität der plastischen Arbeit, die nicht zum Stereotyp des erkennbaren Symbolbildes gehört, sondern zu den Formen, die sich aus einer Erfahrung ergeben, und den Beziehungen, die zwischen den verwendeten Materialien entstehen.
Die Wirbel der Federn in den Gemälden von Julia Bornefeld (Kiel - D, 1963) ermöglichen es
uns zu verstehen, wie die Harmonie und Formalisierung der Werke das Ergebnis der Synthese zwischen anfänglicher Inspiration und dem kreativen Prozess ist;
in diesem Fall erzählen ihre Werke von der Zerbrechlichkeit und Widerstandsfähigkeit der Menschheit angesichts von Widrigkeiten.

Die Recherche von Sean Shanahan (Dublin, 1960) ist unterschiedlich. Er konzentriert sich auf die Strenge einer Sprache und geht von Grundelementen aus, um komplexe Konstruktionen, die mit dem Raum interagieren, zu realisieren.
Die Ölgemälde auf Holzfaserplatten zeigen scharfe, geformte Kanten, die nicht nur als Eingang zum Gemälde selbst dienen, sondern es auch von der Zweidimensionalität der Wand distanzieren und sie in einem Spiel geometrischer Bezüge mit dem Raum projizieren.
So entsteht ein Dialog zwischen der bildlichen und der skulpturalen Dimension sowie zwischen geplanter Konstruktion und Natürlichkeit.

Die Künstlerin Emanuela Fiorelli (Rom, 1970) erforscht auch den Raum und verwendet einen Faden als dreidimensionales Zeichen, um Architekturen zu erstellen, die sich für das Auge ändern und die flexible Dynamik einer geometrisch definierten Konstruktion anzeigen.

Die Ausstellung setzt sich mit den Gemälden von Martin Pohl (Tarres, Bz 1961) fort, die durch "angekündigte" Formen gekennzeichnet sind. Die deskriptive Unbestimmtheit ihrer Formen öffnet sich einem fantasievollen Visionär, der durch Farbe vermittelt wird.

Die Ausstellung endet mit einem Kaleidoskop von Referenzen zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen sozialen Implikationen und der Untersuchung des Selbst, das von den Werken der Künstlerin Dana Widawski (Berlin - D, 1973) vorgeschlagen wird.
So beteiligt sich die Künstlerin zum Beispiel mit ihrer Skulptur Figures de Décoration an
der #Me-Too-Debatte mit ersteigerten „Rokoko“ Dekorationsfiguren an denen sie Sprechblasen in Comic-Manier applizierte.
Das Skulpturenpaar präsentiert sie auf einer handgefertigten Keramikkonsole, auf der, altmeisterlich in Unterglasur gemalt, das Hashtag-Symbol in Rocaille gerahmt eingebrannt ist. Dissonanzen in der Harmonie von Form und Inhalt werden bewusst eingesetzt, um die Debatte in eine ganz andere Betrachtung lenken zu können.