Kuratiert von der Museion Passage Group in Zusammenarbeit mit dem Künstler Eduard Habicher Das Museion eröffnet sein Programm 2026 mit der Ausstellung Eduard Habicher. Memory in Motion. Die Präsentation, die dem 70. Geburtstag des Südtiroler Bildhauers (geb. 1956 in Mals) gewidmet ist, findet in der Museion Passage statt und ist frei zugänglich. Eduard Habicher zählt zu den prägenden Positionen der zeitgenössischen Skulptur aus Südtirol mit internationaler Ausstrahlung. Bekannt ist er vor allem für seine großformatigen Arbeiten im öffentlichen Raum, die sich durch eine starke räumliche Präsenz und einen sensiblen Dialog mit ihrer Umgebung auszeichnen. Seine Werke sind dauerhaft an zahlreichen Orten installiert, unter anderem in der Therme Meran, in der Fundación Pablo Atchugarry in Uruguay sowie in Berlin, Italien und Österreich. Für die Museion Passage hat Habicher vier monumentale Skulpturen geschaffen: Hommage, Passage, Geöffnet–aperto und Pro-tetto. Die Arbeiten bestehen aus Industrieprofilen und Edelstahl, Materialien, die ursprünglich für Rationalität, Stabilität und Funktionalität stehen. Durch präzise handwerkliche Eingriffe werden sie gebogen, geöffnet und neu ausbalanciert. So entstehen skulpturale Linien, die trotz ihrer Masse eine überraschende Leichtigkeit entfalten. Ein zentrales Element in Habichers Werk ist die charakteristische rote Farbe. Diese „rote Linie“ durchzieht auch die Skulpturen in der Passage: Sie spannt sich durch den Raum, setzt Akzente und verbindet die einzelnen Arbeiten visuell miteinander. Ohne Sockel direkt im Raum platziert, begleiten die Skulpturen die Besucher*innen durch diesen offenen Bereich und werden Teil des alltäglichen Bewegungsflusses. Bewegung, Offenheit und räumliche Erfahrung stehen im Zentrum von Memory in Motion. Die Museion Passage als frei zugänglicher Raum ermöglicht Kunstbegegnungen jenseits klassischer Eintrittsschwellen und lädt dazu ein, Skulptur im Vorübergehen ebenso wie im bewussten Verweilen zu erleben. Mit dieser Präsentation realisiert das Museion zugleich die erste Initiative der landesweiten Kampagne Museiopolis. Inspiriert von der Idee der Polis als gemeinschaftlichem urbanen Lebensraum, versteht sich Museiopolis als Einladung, Kunst und Kultur stärker in den Alltag von Stadt und Region einzubinden: offen, zugänglich und in kontinuierlichem Dialog mit der Gesellschaft. Eduard Habicher Eduard Habicher wurde 1956 in Mals im Vinschgau geboren und absolvierte ein Studium an der Accademia di Belle Arti in Florenz. Er lebt und arbeitet in Riffian (BZ). Der Künstler war mit Einzelausausstellungen in zahlreichen italienischen Museen und Galerien vertreten, unter anderem in der Galleria Civica in Trient (1993), der Galleria Comunale d’Arte Contemporanea in Arezzo (1993), dem Museo della Scultura Contemporanea in Matera (2006) sowie der Galleria d’Arte Moderna G. Carandente im Palazzo Collicola in Spoleto (2024). Im Jahr 2025 hatte er im Rahmen der viennacontemporary eine Solopräsentation in der renommierten Privatsammlung Dolezal. Seine großformatigen Skulpturen sind dauerhaft an öffentlichen Orten ebenso wie in privaten Einrichtungen installiert, so etwa in der Therme Meran in Italien und in der Fundación Pablo Atchugarry in Uruguay. Darüber hinaus befinden sich seine Arbeiten in Berlin am Spreeufer, im Innenhof der Wallstraße 16 und auf dem Campus des Europäischen Energieforums (EUREF); in Italien im Südtiroler Landesmuseum für Kultur- und Landesgeschichte auf Schloss Tirol, auf der Piazza della Vittoria in Spoleto, im Freilichtmuseum Museo Diffuso Albisola sowie in Leifers; außerdem in Österreich in Feldbach in der Gleichenberger Straße und im Kulturzentrum Kugelmühle. Eine großformatige Arbeit Habichers zum Gedenken an den antifaschistischen Widerstandskämpfer Josef Mayr-Nusser wurde 2017 im Bozner Dom aufgestellt. 2016 erhielt der Künstler den ersten Preis für sein Werk Misurare lo spazio im Palazzo Ducale in Gubbio, und 2018 gewann er einen Wettbewerb zur Gestaltung einer Skulptur für die Piazza Castello, die sich innerhalb des Palazzo Ducale in Mantua befindet. Im Jahr 2023 wurde Habicher zum Nationalakademiker ernannt und in die Accademia Nazionale di San Luca in Rom aufgenommen.

Galleria 29 | Via Pietralba 29, Laives Una mostra di Private Marc Rider A cura di Nicolò Faccenda La mostra indaga un particolare risvolto della rivoluzione digitale e il modo in cui sta trasformando la nostra vita: come ci percepiamo e come percepiamo il mondo, come costruiamo la nostra identità e quanto spazio ci rimane per agire socialmente e politicamente. La cattura e la mercificazione dei nostri dati, la previsione e l’orientamento dei nostri comportamenti a fini economici o di controllo politico-disciplinare riguardano ormai in modo diretto la nostra quotidianità digitale. In questa situazione di “estrazione”, in cui siamo al contempo materia prima e destinatari/e, Private Marc Rider propone dei veri e propri dispositivi di schermatura. L’esposizione si presenta come strumento di riflessione che, già a partire dall’anonimato dell’artista, invita a rivalutare l’importanza della difesa della privacy individuale. Le opere rendono percepibile, senza rappresentarla in modo diretto, la realtà da cui cercano di proteggerci: una società in cui il controllo è sempre più pervasivo e in cui gli spazi di autonomia di pensiero e di azione si assottigliano. È possibile immaginare un “santuario dell’invisibilità”, uno spazio in cui sottrarsi a questo sistema? Si tratta di una tregua possibile solo nel contesto dell’arte o di un’ipotesi applicabile anche alla sfera sociale? Inaugurazione venerdì 23 ottobre, ore 18:30. L’esposizione rimarrà aperta fino a sabato 14 novembre, dal martedì al sabato dalle ore 16:00 alle 19:00. Il venerdì e il sabato rimarrà aperta anche di mattina dalle ore 10:00 alle 12:00. Mostra e inaugurazione a ingresso libero.

Gibt es „DIE Realität“ oder vielmehr viele Realitäten? Diese Frage stellt sich seit jeher und hat bis heute nichts an Aktualität eingebüßt. Jeder malt sich seine eigene Wirklichkeit, wahrgenommen durch den eigenen Filter. Befindet sich doch jeder in seiner „Blase“ und konstruiert dabei auch ein Bild von sich selbst. Sogar der äußere Schein wird individuell interpretiert und im eigenen Bewusstsein „ermalt“. Das Bild, das man von sich und von seiner Umgebung erschafft, wird so zu einem zutiefst kreativen Prozess. Der Akt des Malens an sich, die Beziehung zwischen dem Maler und seinem Medium sowie die Naturlandschaft, gesehen durch das Auge des Künstlers, sind die zentralen Themen der ausgestellten Werke. Lars Klauser (*1971 in Bozen, ansässig in Vilpian), Kunstlehrer. Er studierte in St. Ulrich, Florenz und Mailand und verbrachte ein Stipendienjahr in Wien. Seit 1997 ist er vielseitig künstlerisch als Maler, Zeichner und Karikaturist aktiv und stellt regelmäßig aus. Seit 2022 zeichnet er zudem die wöchentlichen Donnerstags-Karikaturen „St(r)icheln“ für SALTO.

Unikatops Showroom: an den Samstagen von 9-12 Uhr geöffnet, für alle anderen Tage nach Absprache. Handgefertigte Holzobjekte von einzigartiger Schönheit & Qualität. Unikate aus dem Holz der Wälder Südtirols, für Naturliebhaber und Ästheten die etwas Besonderes suchen.

Eine verborgene Welt Pilze gehören zu den ältesten und zugleich verborgensten Akteuren des Lebens auf der Erde. Die Sonderausstellung FUNGA lädt dazu ein, dieses eigenständige Reich neu zu entdecken – jenseits der bekannten Fruchtkörper und weit über die Rolle von Speisepilzen hinaus. Die Ausstellung zeigt, wie Pilze als Netzwerke aus Myzelien ökologische Kreisläufe steuern, Böden aufbauen und Symbiosen ermöglichen, ohne die das Leben an Land kaum denkbar wäre. Sie führt von den uralten Ursprüngen der Pilze über ihre Schlüsselrolle in Natur und Evolution bis hin zu ihrer engen Beziehung zum Menschen – etwa im Mikrobiom von Haut und Darm. Neben naturwissenschaftlichen Einblicken öffnet FUNGA auch kulturelle Perspektiven: Pilze als Heilmittel, als Teil von Ritualen und Mythen sowie als prägende Motive in Kunst und Popkultur. Aktuelle Forschungsansätze zu nachhaltigen Materialien und biotechnologischen Anwendungen schlagen schließlich den Bogen in die Zukunft. FUNGA lädt dazu ein, die Welt aus einer neuen Perspektive zu betrachten – vernetzt, vielschichtig und überraschend lebendig.

Lass dich von einem Erlebnis einnehmen, das man nicht nur betrachtet, sondern erlebt. Eine Klangarchitektur, die auf den tatsächlichen Daten des Gletschers basiert, entführt dich in einen Sommer auf der Marmolada, zwischen der Gegenwart und einer Zukunft, die uns herausfordert. Gestalte mit deinen eigenen Händen die menschlichen Einflüsse und lausche, wie sich die Stimme der Landschaft verändert. Gibt es eine Grenze zwischen uns und der Natur?

Nataliya Zubans Ausstellung ist einem Prozess gewidmet, der die Zeit hemmt, zerstörerisch wirkt und sich selbst auslöscht. Die 1992 im ukrainischen Opischnja geborene Künstlerin stammt aus einer Region, deren tonreicher Boden das materielle Erbe einer über Generationen gewachsenen erzählerischen Skulpturtradition bewahrt. Mit ihren Maschinen verleiht Zuban dem Klang des heutigen Wartens, des Schutzsuchens, des Vermittelns und der schrillen Spannung der Erwartung Ausdruck.

11. September – 14. November 2026 Ausstellung, Sprechstunden und Veranstaltungsprogramm in der Stadtgalerie Brixen „The Doctor Is Present“ entsteht in Zusammenarbeit mit pensionierten Fachpersonen aus Südtirol, dem Med Bistro Guggenberg, dem Medizin Gespräch Bruneck sowie weiteren Fachpersonen aus dem Gesundheitsbereich. Warten bis der Arzt kommt Was passiert, wenn eine Kunstgalerie zur Arztpraxis wird? Die Ausstellung „The Doctor Is Present“ verwandelt die Stadtgalerie Brixen in einen ungewöhnlichen Ort zwischen Kunst, Medizin und gesellschaftlichem Austausch. Die Eröffnung ist am 10. September um 19 Uhr. Für die Dauer der Ausstellung wird die Stadtgalerie Brixen jeden Mittwoch-, Donnerstag- und Freitagvormittag zur Praxis: An diesen Tagen stehen pensionierte Ärztinnen und Ärzte aus Südtirol Besucherinnen und Besuchern für Gespräche zur Verfügung. Medizinische Befunde können mitgebracht, Fragen gestellt und Unsicherheiten besprochen werden. Eine Voranmeldung ist nicht notwendig. Dabei geht es ausdrücklich nicht um eine klassische ärztliche Behandlung, sondern um Begegnung, Zuhören und den Austausch von Wissen und Erfahrungen. Was im medizinischen Alltag angesichts von Zeitdruck häufig zu kurz kommt, erhält in der Galerie Raum und Zeit. Das Wartezimmer als sozialer Raum Zur Arztpraxis in der Stadtgalerie gehört auch ein großes Wartezimmer. Dieser Ort erfüllt als eine Art erweiterter Dorfplatz seit jeher eine besondere soziale Funktion: Menschen unterschiedlichen Alters und unterschiedlicher Herkunft treffen aufeinander, beobachten sich, kommen miteinander ins Gespräch oder warten schweigend gemeinsam. Für „The Doctor Is Present“ hat der Südtiroler Fotograf Gustav Willeit die Eigentümlichkeit dieser Räume in den Blick genommen. Die eigens für die Ausstellung entstandene Serie wird im Laufe der Ausstellungsdauer kontinuierlich verändert. Wann haben Sie zuletzt Löcher in die Luft gestarrt? Ob wir auf den Arzt warten oder auf eine Nachricht, den nächsten Bus, die große Liebe oder bessere Zeiten: Das Warten ist eine grundlegende menschliche Erfahrung. Zugleich scheint das Warten aus unserem Alltag zunehmend zu verschwinden. Das Smartphone füllt noch die kleinste Unterbrechung, kein Moment darf ungenutzt bleiben. „The Doctor Is Present“ fragt deshalb auch danach, was verloren geht, wenn wir das Warten verlernen. Verlieren wir mit ihm die Geduld und die Gelassenheit? Die Fähigkeit zur Muße? Vielleicht sogar die Vorfreude und die Sehnsucht? Und kann das vermeintlich unproduktive Warten in einer Gesellschaft, die Zeit möglichst lückenlos nutzen möchte, auch ein Freiraum sein? Das Wartezimmer der Stadtgalerie lädt dazu ein, genau das auszuprobieren: zu warten, zu verweilen, zu beobachten und miteinander ins Gespräch zu kommen. Sprechstunden in der Stadtgalerie Die Fachpersonen sind jeweils von 10 bis 12 Uhr in der Stadtgalerie anwesend. Eine Voranmeldung ist nicht notwendig. Kinder- und Jugendheilkunde 11.09. / 01.10. / 04.11. Allgemeinmedizin, Patientenverfügung und Palliative Care 16.09. / 07.10. / 09.10. / 21.10. / 22.10. / 05.11. Sportmedizin 17.09. / 24.09. / 08.10. Gastroenterologie und Innere Medizin 18.09. / 16.10. / 12.11. Anästhesie, Intensivmedizin und Patientenverfügung 23.09. / 15.10. / 29.10. Traumatologie und Orthopädie 30.09. / 14.10. / 28.10. / 11.11. Allgemeinchirurgie 25.09. / 02.10. / 23.10. / 30.10. / 06.11. / 12.11.

Mit der Sonderausstellung „Dorf Disco 1967–1997. Zurück in die große Zeit der Südtiroler Diskotheken“ rückt das Museum ein bedeutendes Kapitel der Jugend- und Unterhaltungskultur ins Rampenlicht. Vom 8. August 2026 bis 7. November 2027 stehen jene Lokale im Mittelpunkt, die über Jahrzehnte das Nachtleben des Landes maßgeblich prägten: die Dorfdiskotheken. Sie waren weit mehr als Tanzlokale: Sie waren Treffpunkte junger Menschen, Bühnen für neue Musiktrends und Schauplätze unvergesslicher Nächte. Für viele wurden sie zum Symbol einer neugewonnenen Freiheit, zum Ort der ersten großen Schwärmerei und zu einem wichtigen Teil ihrer Jugendzeit. Anhand persönlicher Geschichten, Fotografien und Erinnerungsstücke lässt die Ausstellung die Südtiroler Discokultur der Jahre 1967 bis 1997 wieder aufleben. Sie weckt Erinnerungen an legendäre Nächte, große Gefühle und den unverwechselbaren Zeitgeist einer Ära, in der die Dorfdisco Ausdruck des jugendlichen Lebensstils in Südtirol war.

„Zwischenräume“ versammelt Werke des Südtiroler Bildhauers Hermann Josef Runggaldier, die sich im Spannungsfeld von Mensch und Natur entfalten. Seine reduzierten Figuren und materialbetonten Arbeiten bewegen sich im Dazwischen: zwischen Nähe und Distanz, Sichtbarkeit und Verbergen, Körper und Raum. Runggaldiers Werke eröffnen Räume der Wahrnehmung, die sich erst im Umschreiten und im Wechsel der Perspektiven erschließen. So wird Skulptur zum Erfahrungsraum – ein Ort, an dem sich das menschliche Dasein im Dialog mit natürlichen Prozessen manifestiert.

Anlässlich des 125-jährigen Bestehens lädt das Diözesanmuseum Hofburg Brixen zu einer Entdeckungsreise durch seine bewegte Geschichte ein. Historische Fotografien und Filmaufnahmen zeigen das Museum, aber auch die Hofburg als sie noch als Bischofsresidenz genutzt wurde. Plakate früherer Sonderausstellungen veranschaulichen die Entwicklung des Museums und die Vielfalt seiner Tätigkeiten. Persönliche Geschichten und Erinnerungen zeigen zudem die menschliche Seite des Hauses und machen deutlich, wie viele Menschen das Museum im Laufe der Jahrzehnte begleitet und geprägt haben. Auch die Besucherinnen und Besucher sind eingeladen, ihre eigenen Erlebnisse und Erinnerungen an die Hofburg und das Diözesanmuseum aufzuschreiben und damit zur Präsentation beizutragen. So entsteht nach und nach ein vielstimmiges Bild der 125-jährigen Museumsgeschichte. Die Ausstellung ist vom 13. September bis zum 8. Dezember 2026 im zweiten Stock der Hofburg Brixen zu sehen.

Kuratiert von Hugo Vitrani und Cédric Fauq Ausstellungsgestaltung von Pascal Rodriguez Ausstellung organisiert in Zusammenarbeit mit dem Palais de Tokyo (Paris) und dem Capc – Musée d’art contemporain de Bordeaux Das Museion präsentiert RAMM:ELL:ZEE TIME:LINE, das abschließende Kapitel der ersten umfassenden europäischen Retrospektive zu RAMMELLZEE (1960–2010). Nach Paris und Bordeaux ist die Ausstellung nun erstmals in Italien zu sehen. Die in Zusammenarbeit mit dem Palais de Tokyo in Paris und dem Capc Musée d’art contemporain in Bordeaux entwickelte Ausstellung erstreckt sich über zwei Museumsebenen und vereint mehr als 150 Werke, von denen viele erstmals in Italien gezeigt werden. Als Künstler, Theoretiker, Bildhauer, Performer und Master of Ceremonies gehörte RAMMELLZEE zu den einflussreichsten und zugleich geheimnisvollsten Persönlichkeiten der New Yorker Kulturszene der 1980er-Jahre. Er ließ sich keiner festen Kategorie zuordnen und verband Graffiti, Sprachtheorie, Performance, Musik, Science-Fiction und Skulptur zu einer ganz eigenen künstlerischen Welt. Im Zentrum seines Denkens standen die Theorien des „Gothic Futurism“ und des „Ikonoklast Panzerism“. Darin verstand er Sprache als umkämpften Raum und Buchstaben als lebendige Formen, die sich gegen Systeme der Kontrolle behaupten können. Als Zeitlinie angelegt, zeichnet die Ausstellung die historischen, kulturellen, technologischen und politischen Einflüsse nach, die RAMMELLZEEs Werk geprägt haben. Im Rundgang eröffnen sich unterschiedliche Perspektiven auf sein Schaffen und stellen es in größere Zusammenhänge: von der mittelalterlichen Handschriftenkultur über den italienischen Futurismus bis hin zu Hip-Hop, Technologien und zeitgenössischer Bildkultur. Ein besonderer Schwerpunkt der Ausstellung im Museion liegt auf der Beziehung des Künstlers zu Italien. Anhand von Archivmaterialien, zentralen Werken und historischen Bezügen beleuchtet die Ausstellung eine weniger bekannte Seite seiner Biografie und künstlerischen Entwicklung: von seinen Kooperationen und Performances in Italien in den 1980er-Jahren bis zu seiner Beschäftigung mit italienischen Bildtraditionen. Bedeutende Leihgaben aus dem Kloster Neustift sowie Werke von Fortunato Depero eröffnen dabei überraschende Verbindungen zwischen illuminierten Handschriften, futuristischen Experimenten und RAMMELLZEEs radikaler Neuerfindung des Alphabets. Im Mittelpunkt der Ausstellung steht Gasholear, ein monumentales tragbares Exoskelett, das RAMMELLZEE zwischen 1987 und 1998 entwickelte und das er selbst als eines seiner ambitioniertesten Werke betrachtete. Rund um Gasholear werden zentrale Werkgruppen wie die Letter Racers, die Garbage Gods und die Monster Models gezeigt. Archivmaterialien, bislang unveröffentlichte Objekte, Fotografien, Filme und Dokumente ergänzen die Ausstellung und geben Einblick in die Vielfalt und den Umfang seines künstlerischen Denkens. Rammellzee © Mari Horiuchi. Courtesy of Red Bull Arts New York and Rammellzee Estate Darüber hinaus zeigt die Ausstellung Werke von Künstler*innen, die Teil seines kulturellen Umfelds waren und mit ihm in engem Austausch standen, darunter Jean-Michel Basquiat, Andy Warhol, Futura 2000, Phase 2, Dondi White, Lady Pink, Lee Quiñones, Martin Wong, David Hammons, Gordon Matta-Clark und Arthur Jafa. Fotografien und Filme von Henry Chalfant, Maripol, Gianni Pettena, Charlie Ahearn und Jim Jarmusch vermitteln einen lebendigen Eindruck von der vielschichtigen künstlerischen und sozialen Welt, in der RAMMELLZEEs Werk entstand. TIME:LINE ist mehr als eine Retrospektive: Die Ausstellung lädt dazu ein, in RAMMELLZEEs außergewöhnliche Gedankenwelt einzutauchen, eine Welt, in der Sprache zu Architektur wird, Buchstaben zu Waffen und Kunst zu einem Mittel, um andere Vorstellungen von Zukunft zu entwickeln.

Meran wächst – an Kulturen, Sprachen und Erwartungen. Der urbane Raum wird von vielen genutzt, aber nicht von allen gleich erlebt. Die von Andreas Kofler kuratierte Ausstellung erzählt, wie sich die Stadt vom Gestern zum Heute verändert hat, und fragt, wie sie sich angesichts von Klimakrise, wachsender Diversität und der Notwendigkeit nachhaltiger Entwicklung morgen gestalten wird. Die Vielfalt an Erwartungen und Bedürfnissen unterschiedlicher Sprach- und Kulturgruppen, verschiedener Generationen sowie von Einheimischen, Zugewanderten und Gästen macht deutlich, dass es neue Formen des urbanen Zusammenlebens braucht – vielfältiger, inklusiver und widerstandsfähiger gegenüber den Herausforderungen der Klimakrise. Das Ausstellungsprojekt und das Forum Stadtraum Meran – gestern, heute, morgen? verstehen sich als Ausgangspunkt für diesen Dialog. Dabei werden sieben zentrale Themen der städtebaulichen Entwicklung behandelt: Landschaftsraum, Bevölkerungsraum, Wohnraum, Freiraum, Arbeitsraum, Mobilitätsraum und Kulturraum. Jeder dieser Bereiche wird aus drei Perspektiven betrachtet: gestern (mit einem Überblick über die historische Entwicklung anhand von Original- und reproduzierten Archivmaterialien und weiteren Dokumenten), heute (mit Karten, Fotografien und Filmaufnahmen) und morgen (mit Zukunftsperspektiven, teils in partizipativer Form). Im Rahmen der Ausstellung erscheint eine Meran gewidmete Sonderausgabe von Turris Babel, der Zeitschrift der Architekturstiftung Südtirol.

Das Mart widmet eine große Ausstellung einer der Schlüsselfiguren der italienischen Fotografie, Gianni Berengo Gardin (1930-2025), und beleuchtet einen der zentralen Aspekte seiner Poetik: die Leidenschaft für die Architektur. Im Mittelpunkt des Projekts steht daher der „urbanistische“ Blick, mit dem Berengo Gardin seine Umgebung betrachtete, indem er die geometrische Struktur von Räumen ebenso wie die Volumen der Landschaften und das Zusammenspiel zwischen Masse und Leere untersuchte, das unser Alltagsleben bestimmt, kurz gesagt: die Osmose zwischen der äußeren Umgebung und dem Innenleben. Auf einer Seite die volumetrischen Formen der Außenwelt und ihre Strukturen; auf der anderen Seite die „humane Komponente“, bestehend aus den Menschen, die ein Ambiente bewohnen, kennen und leben. Die Lebenswelten sind also urbanistische Visionen, die sich auf poetische und verträumte Weise mit bebauten Räumen auseinandersetzen, die gleichzeitig Wohn- und Lebensorte sind. Mit 120 Aufnahmen aus dem Archiv des Fotografen konzentriert sich die Ausstellung sowohl auf die kompositorische Methode als auch auf die sorgfältige und geduldige Dokumentationsarbeit des Fotografen auf den Baustellen bedeutender Architekten, die Gardin begleitete. Vervollständigt wird sie durch weitere wertvolle Quellenmaterialien, die ebenfalls aus dem Archiv stammen, sowie durch die Zeugnisse der Architekten, die lange mit Gardin zusammenarbeiteten. Credits Kuratiert von Micol Forti, Gabriele Lorenzoni, Alessandra Mauro

Kuratiert von Andreas Kofler Meran wächst – an Kulturen, Sprachen und Erwartungen. Der urbane Raum wird von vielen genutzt, aber nicht von allen gleich erlebt. Die von Andreas Kofler kuratierte Ausstellung erzählt, wie sich die Stadt vom Gestern zum Heute verändert hat, und fragt, wie sie sich angesichts von Klimakrise, wachsender Diversität und der Notwendigkeit nachhaltiger Entwicklung morgen gestalten wird. Die Vielfalt an Erwartungen und Bedürfnissen unterschiedlicher Sprach- und Kulturgruppen, verschiedener Generationen sowie von Einheimischen, Zugewanderten und Gästen macht deutlich, dass es neue Formen des urbanen Zusammenlebens braucht – vielfältiger, inklusiver und widerstandsfähiger gegenüber den Herausforderungen der Klimakrise. Das Ausstellungsprojekt und das Forum Stadtraum Meran – Gestern, heute, morgen? verstehen sich als Ausgangspunkt für diesen Dialog. Dabei werden sieben zentrale Themen der städtebaulichen Entwicklung behandelt: Landschaftsraum, Bevölkerungsraum, Wohnraum, Freiraum, Arbeitsraum, Mobilitätsraum und Kulturraum. Jeder dieser Bereiche wird aus drei Perspektiven betrachtet: gestern (mit einem Überblick über die historische Entwicklung anhand von Original- und reproduzierten Archivmaterialien und weiteren Dokumenten), heute (mit Karten, Fotografien und Filmaufnahmen) und morgen (mit Zukunftsperspektiven, teils in partizipativer Form). Im Rahmen der Ausstellung erscheint eine Meran gewidmete Sonderausgabe von Turris Babel, der Zeitschrift der Architekturstiftung Südtirol.

Beni Altmüller, Peter Assmann, Gerhard Brandl, Karolina Gacke, Astrid Gamper, Niklas Heiss, Elisabeth Peterlik Symposium und Austellung für zeitgenössische Zeichnung  Nach der Begegnung im vergangenen Herbst in Österreich wird der künstlerische Austausch in Bozen fortgesetzt. Vier Künstler:innen aus Attnang-Puchheim und drei Südtiroler Künstler:innen kommen auf Einladung des Künstlerbundes im SKB LAB zusammen, um die Vielfalt der Zeichnung zu erkunden. Die Ergebnisse des Symposiums werden im Rahmen dieser Ausstellung präsentiert.

Im Tublà da Nives zeigt Egon Rusina vier seiner jüngsten Werkzyklen. In seinen Zeichnungen setzt sich der Künstler mit der Beziehung zwischen Mensch und Natur sowie mit der Frage nach dem Platz des Menschen in der Welt auseinander. Rusina tritt in einen gedanklichen Dialog mit Bäumen, Bergen und Wasserfällen und spürt den Geheimnissen der Natur nach. Mit Bleistift und Farbe bringt er das fragile Gleichgewicht zwischen Mensch und Umwelt zu Papier. Eine Harmonie, die zunehmend verloren geht – in einer von Individualismus geprägten Gesellschaft, in der die Verbindung zur Natur immer mehr in den Hintergrund rückt. Wer sind wir? Und wohin gehen wir? In seinem inneren Dialog gelangt Egon Rusina zu einer Erkenntnis: Selbst die Dunkelheit der Nacht verliert ihren Schrecken, denn erst sie lässt uns das Licht erkennen. L Tublà da Nives mostra cater di ultims zitli de lëur de Egon Rusina. I dessënies spidlea la nrescida persunela dl artist, che se à ti ultims ani dat ju cun reflescions sun la relazion danter la persona y la natura y sun l'esistënza dla persona sul mond. Rusina scota su i sucrëc plu ascundui de lëns, crëps, pisciadoies y partësc cun ëi i pensieres plu soc. Cun rispl y culëures reportel sun papier l balanz zite danter la sozietà d'aldidancuei y l ambient. N balanz che vën for plu y plu a mancë, te n mond urientà de viers dl individualism y te chël che la persona pierd for plu y plu si sensibltà per cie che suzed ntëurvia. Chi sonsa? Y ulà jonsa? L dialogh cun sé nstës porta Egon Rusina ala contlujion, che nianca l scur dla nuet ne possa ti fé tëma, ti dala pu la puscibltà de udëi la lum.

Projekt: Adel Jabbar - Gefördert von Associazione ART APS mit der Unterstützung von Ufficio bilinguismo e lingue straniere della Provincia autonoma di Bolzano Wir danken: ​Centro Trevi - Trevilab – Biblioteca culture del mondo odv – Ethical media cooperativa sociale ETS – Cedocs WOR(L)D Das Zusammenleben von Menschen und Gruppen aus verschiedenen geografischen Regionen hat seit langem zu einer deutlichen Zunahme der sprachlichen Vielfalt in Südtirol geführt. Es ist mittlerweile ganz normal geworden, in vielen Bereichen des Alltags verschiedene Sprachen zu hören. Manchmal hört man Gespräche in unverständlichen Sprachen, von denen uns einige vertraut klingen, obwohl wir sie nicht verstehen, während wir andere nicht einmal geografisch einordnen können. Wor(L)d ist die fünfte Ausgabe der „Galerie der Sprachen“ und bietet die Gelegenheit, die aktuelle gesellschaftliche Dynamik mit ihren sprachlichen Austauschprozessen kennenzulernen. Gleichzeitig soll sie Menschen aus verschiedenen Sprachgruppen dazu anregen, eine aktive Rolle beim Aufbau einer bewussten und geselligen Gemeinschaft zu übernehmen. Im Mittelpunkt dieser Ausgabe stehen Texte und Fotografien. Die Ausstellung versammelt eine Reihe von fotografischen Arbeiten. Jedes Werk enthält kurze Texte in der Muttersprache, die direkt von den Protagonist*innen ausgewählt wurden. Die Texte bringen den Wert des Wissens und das Streben nach Erkenntnis zum Ausdruck. Die Werke werden von Bildunterschriften mit Übersetzungen ins Italienische und Deutsche begleitet. Im Rahmen der Ausstellung wird eine audiovisuelle Installation präsentiert, die es dem Publikum ermöglicht, die Stimmen der Protagonist*innen zu hören, die ihre auf den Fotos abgebildeten Texte in ihrer Muttersprache vorlesen.

Vierzig Jahre nach seinem Tod am 8. Dezember 1986 in Mailand ist Karl Plattner (Mals im Vinschgau, 1919 – Mailand, 1986) nach wie vor die bedeutendste Persönlichkeit figurativer Kunst Südtirols in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Während seiner Aufenthalte zwischen Florenz, Paris, Brasilien und schließlich Mailand entwickelt Karl Plattner eine ganz eigene, unverwechselbare Bildsprache, angesiedelt zwischen einer postkubistischen Sensibilität und Anklängen an den mitteleuropäischen Expressionismus. Vernissage: Donnerstag, 12. November, 18.00 Uhr Einführung von Eva Gratl Die Tochter von Karl Plattner wird anwesend sein

Mit ihrer Ausstellung A Home With No Roof präsentiert die in der Schweiz lebende Künstlerin Sara De Brito Faustino ihre erste Einzelausstellung außerhalb der Schweiz in der Galerie Foto Forum. Die eigens für die Räumlichkeiten neu konzipierte Ausstellung lädt die Besucher*innen dazu ein, in die Welt der Serie einzutauchen, und vereint Fotografien aus dem ursprünglichen Projekt und dem gleichnamigen Fotobuch. Ausgehend von detailgetreuen, maßstabsverkleinerten Rekonstruktionen ihrer Kindheitswohnung verwandelt die Künstlerin die Überreste des Alltags in beunruhigende Miniaturszenen. Während das Zuhause eigentlich ein Ort der Geborgenheit, des Trostes und der Sicherheit sein sollte, war es für Sara De Brito Faustino stets ein Ort, an dem sie sich nicht zugehörig fühlte – entfremdet von ihrer eigenen Vergangenheit. Auf der Suche nach Katharsis versucht sie, diesen dysfunktionalen Raum wiederaufleben zu lassen und dabei eine sichere Distanz zu wahren. A Home With No Roof geht über die Konventionen der Fotografie hinaus und verbindet Konstruktion, Performance und Mise-en-Scène. Die Bilder entstehen aus sorgfältig zusammengesetzten Erzählebenen, die von einer bewusst fragilen Bildsprache zusammengehalten werden. Diese bewegt sich zwischen Rohheit und einer äußerst ausgefeilten Ästhetik und erzeugt eine unheimliche Dissonanz. Die neue, für Bozen entwickelte Präsentation verankert ihre künstlerische Praxis noch stärker in der Ortsbezogenheit, Intimität und den Erzählungen des Häuslichen und hinterfragt zugleich die Grenzen zwischen Öffentlichkeit und Privatheit. Sara De Brito Faustino (1999, NL/PT) lebt und arbeitet in Lausanne, Schweiz. Seit ihrem Studienabschluss hat sie an Gruppenausstellungen in der Schweiz und in Europa teilgenommen. Sie wurde für verschiedene Auszeichnungen nominiert, darunter den DIOR Photography Award for Young Talent und FOAM Talent 2026. Kürzlich wurde die Künstlerin zudem mit dem Swiss Design Award ausgezeichnet. Opening: 17.11.2026, 19:00 Uhr

Schauen, erkunden, bauen mit den Büchern des Archiv ÓPLA Die Kinderkünstlerbücher aus dem Archiv ÓPLA eröffnen Räume für neue Welten. Die Ausstellung widmet sich der engen Verbindung von Entwurf, Objekt und Buch und zeigt, wie sich die Buchseite in Architektur, bewohnbaren Raum und konzeptuelles Spiel verwandeln kann. Lesen wird dabei zu einer Erfahrung, die weit über den Text hinausgeht. Die visuelle Dimension, die Form und das Material der Bücher laden zu einer körperlichen und räumlichen Erkundung ein. Avantgardistische Experimente, wegweisende Projekte, ikonische Werke und Bücher, die bis heute erhältlich sind, führen die Besucherinnen und Besucher auf eine Entdeckungsreise durch Stadtpläne, dreidimensionale Bücher, bewohnbare Module und zusammenbaubare Strukturen. Vertreten sind unter anderem El Lissitzky, Fulvio Bianconi, Bruno Munari, Enzo Mari, Tana Hoban, Jason Fulford, Paul Cox, Ianna Andreadis, Martí Guixé, Kveta Pacovská und Steven Guarnaccia. Neben ausgewählten Werken aus dem Archiv ÓPLA präsentiert die Ausstellung auch Titel aus der von Alessandro Luigini kuratierten Sammlung der Freien Universität Bozen. Zugleich treten die Bücher in einen neuen Dialog mit den historischen Exponaten und Sammlungen des Museums und eröffnen damit neue Perspektiven auf Raum, Gestaltung und Wahrnehmung. Eine Auswahl von Titeln aus dem Archiv ÓPLA ist außerdem im ÓPLab in der Matteotti-Straße zu sehen und wird dort durch eine Installation ergänzt. Die Ausstellung bietet die Gelegenheit, das 30-jährige Bestehen des Archiv ÓPLA zu feiern und Städte – darunter auch Meran – durch den avantgardistischen Blick von Kunst und Design neu zu entdecken. Begleitend zur Ausstellung finden die Workshops der Reihe „1, 2, 3 … ÓPLA“ sowie zahlreiche Veranstaltungen mit national und international renommierten Persönlichkeiten aus Design, Architektur, Literatur und weiteren Fachbereichen statt. Zu den Gästen zählen unter anderem Michele De Lucchi, Martino Gamper, Hannes Peer, Lorenza Branzi, Massimiliano Tappari, Chiara Carminati, Alessandro Luigini und Daniel Eatock. PALAIS MAMMING MUSEUM Meran, Pfarrplatz, 6 museum@gemeinde.meran.bz.it palaismamming@gmail.com +39 0473270038 www.palaismamming.it ÖFFNUNGSZEITEN Di – Sa: 10:30 – 17:00 So und Feiertage: 10:30 – 13:00 GESCHLOSSEN Jeden Montag Weihnachten: 25.12.2026 Neujahr: 01.01.2027 SONDERÖFFNUNGSZEITEN 10:30 – 15:00 Adventssonntage: 29.11 · 06.12 · 13.12 · 20.12 Mariä Empfängnis: 08.12 Stefanstag: 26.12 10:30 – 13:00 Heiligabend: 24.12 Silvester: 31.12 ARCHIV ÓPLA opla@gemeinde.meran.bz.it Alle Informationen und den aktuellen Veranstaltungskalender finden Sie unter: www.oplamerano.eu

Time of Monsters zeichnet einen markanten, eindringlichen Bogen durch Reem Masris künstlerisches Schaffen von 2018 bis heute. In ihrer langjährigen künstlerischen Praxis setzt sich Masri mit der Beziehung zwischen Land und Erinnerung auseinander. In der Ausstellung Time of Monsters treten Körper und Land als Territorien hervor, die besetzt, von tumorartigen Wucherungen gezeichnet, bearbeitet und umkämpft werden können: Ihre Räume werden verändert, fragmentiert und entstellt. Masri hebt die Distanz zwischen der Vorstellung eines besetzten Körpers und der eines besetzten Landes auf und begreift beide als Orte, in die sich Verletzlichkeit, Gewalt, Erinnerung und Beharrlichkeit einschreiben. Reem Masri ist eine palästinensische bildende Künstlerin, die 1991 in Jerusalem geboren wurde. Ihre künstlerische Praxis umfasst Malerei, Zeichnung, Collage und Installation. Zudem lehrt sie in Teilzeit an der Fakultät für Kunst, Musik und Design der Universität Birzeit in Ramallah. Kuratiert von Zasha Colah und Francesca Verga Eröffnung: 25. November, 2026, 19:30 Uhr. Vortrag von Reem Masri und Yasmin Riyahi. Moderation: Davide Ferrando. 23. November 2026, 18:00–20:00 Uhr.

Tradition und Kultur erleben In St. Pauls | Eppan erwacht die weihnachtliche Tradition zu neuem Leben: Vom 28. November bis zum 6. Januar bezaubern handwerkliche Meisterwerke der Krippenkunst rund um den Dom und laden Groß und Klein zu einem festlichen Entdeckungsritt ein. Die besinnliche Stimmung lädt ein, die ruhige Vorweihnachtszeit fernab von Weihnachtsrummel und Alltagsstress zu genießen. Täglich ab 16.00 Uhr werden die vielen unterschiedlichen Krippen rund um dem Dom beleuchtet werden. *Die Krippen rund um den Dom können bis einschließlich 06. Januar 2027 besichtigt werden.