Ein Klassiker der Weltliteratur von Jules Verne Worum es geht Der exzentrische, penibel pünktliche englische Gentleman Phileas Fogg riskiert im Jahr 1872 sein halbes Vermögen für eine schier unmögliche Wette im Londoner Reform Club: Er behauptet felsenfest, die Erde in nur 80 Tagen umrunden zu können. Gemeinsam mit seinem charmanten und schlagfertigen französischen Diener Passepartout bricht er Hals über Kopf zu einem atemberaubenden Wettlauf gegen die Zeit auf – dicht gefolgt von einem hartnäckigen Detektiv, der in Fogg einen dreisten Bankräuber vermutet. In bunten, lebendigen Szenen führt die abenteuerliche Route von London über Suez direkt in das farbenfrohe Indien. Hier überschlagen sich die Ereignisse, als Fogg und Passepartout die mutige Prinzessin Aouda in einer spektakulären Aktion vor einem grausamen Schicksal retten. Sie schließt sich den Reisenden an und bringt fortan nicht nur Foggs akribisch durchgeplanten Zeitplan, sondern auch die streng kontrollierte Gefühlswelt des sonst so unterkühlten Gentleman gehörig durcheinander. Von Indien geht es weiter über Hongkong und Yokohama, quer über den Pazifischen Ozean nach Amerika, im wilden Ritt durch die Weiten der USA und schließlich über den stürmischen Atlantik zurück nach England. Unberechenbares Wetter, verpasste Anschlüsse, weitere Gefahren und listige Sabotage machen die Reise zu einem packenden Abenteuer, bei dem sprichwörtlich jede Sekunde über Triumph oder Ruin entscheidet. Unsere maßgeschneiderte Theaterfassung ist für ein kleines, aber hochkarätiges Ensemble konzipiert, das die monumentale Geschichte voller Tempo, Musik und Spielfreude erzählt.​ Das Ensemble auf und hinter der Bühne Dieses rasante Abenteuer wird von einem spielfreudigen und wandlungsfähigen Ensemble zum Leben erweckt: In der Rolle des exzentrischen Phileas Fogg ist Manuel Bauhofer zu sehen, während Martin A. Greif als sein treuer Diener Passepartout glänzt. Die mutige Prinzessin Aouda wird von Rebecca Halm verkörpert, und als hartnäckiger Verfolger Detektiv Fixx heftet sich Christoph Fortmann an ihre Fersen. In eine Vielzahl weiterer, skurriler Rollen schlüpfen mit großer Spielfreude Gabriele Langes, Heinz Röser-Dümmig, Elisabeth Langes und Paul Brugger. Hinter den Kulissen zieht ein eingespieltes Kreativteam die Fäden: Unter der Regie von Greta Lindermuth und nach der Dramaturgie von Reinhard Auer entsteht ein visuelles Spektakel. Das stimmungsvolle Bühnenbild wurde von Nadja Simeonova entworfen, während Sieglinde Michaeler und Walter Granuzzo für die fantasievollen Kostüme verantwortlich sind. Das stimmige Lichtdesign von Julian Geier und die kunstvolle Maske von Susanna Geier runden diese rasante Weltreise optisch perfekt ab. Ein historisches Juwel als Theaterbühne: Das „Versorgungshaus“ in Tisens Die Gemeinde Tisens besitzt ein wahres Schmuckstück im Dornröschenschlaf: das historische „Versorgungshaus“. Das geschichtsträchtige Gebäude vereint alle Baustile von der Romanik bis zum Post-Klassizismus. Einst herrschaftlicher Ansitz, später Armenhaus, soll diesem kostbaren, historischen Erbe nun wieder neues Leben eingehaucht werden. Für unsere Aufführung von „In 80 Tagen um die Welt“ verwandelt sich das geschichtsträchtige Areal in eine ganz besondere Kulisse: Wir spielen im Freien, direkt im idyllischen Garten des Versorgungshauses. Unter freiem Himmel verschmelzen die historische Architektur und die Natur zu einem stimmungsvollen Freilichttheater, das die abenteuerliche Weltreise von Phileas Fogg perfekt einrahmt.

Im Sommer 2026 erwartet Sie auf der Freilichtbühne in der Vorburg von Schloss Tirol ein Klassiker der Commedia dell'arte in moderner Interpretation: Die schlaue, charmante Wirtin verführt, verwirrt und bezaubert ihre Gäste. Frecher Humor, literarische Brillanz und mitreißende Live-Musik verbinden sich zu einem unvergesslichen Theaterabend.

nach Johann Nestroy, bearbeitet von Elke Hartmann Zur Handlung Johann Nepomuk Nestroys wortgewandte Posse ist auf lustvolle Weise, mit subversivem Witz vielschichtige Sozialkritik, die sich nicht einseitig gegen eine Klasse richtet. Vielmehr zeigt er eine Gesellschaft, in der Reiche wie Arme gleichermaßen unzufrieden sind – allerdings aus unterschiedlichen, doch miteinander verknüpften Gründen. Der wohlhabende Herr von Lips verkörpert den Überdruss des Besitzenden: materiell abgesichert, leidet er an Sinnleere, Langeweile und emotionaler Abstumpfung, Depression. Reichtum erscheint nicht als Lösung, sondern als Ursache existenzieller Leere. Dem gegenüber stehen die ärmeren Figuren, die von ökonomischem Druck, Abhängigkeit und sozialer Unsicherheit geprägt sind. Ihre Not entspringt nicht dem Zuviel, sondern dem Zuwenig. So entlarvt das Stück eine Gesellschaftsordnung, in der Reiche wie Arme gleichermaßen frustriert und unglücklich sind. Regie: Elke Hartmann Auf der Bühne: René Dalla Costa, Patrizia Pfeifer, Viktoria Obermarzoner, Roland Selva, Werner Hohenegger, Maria Theresia Fata, Cornelia Brugger, Josef Niederstätter Bühnenbild: Sara Burchia Kostüme: Andrea Kerner Musik: Markus Mac Maya Lichtdesign: Julian Marmsoler Technik: Hannes Tammerle Maske: Brigitte Novak, Catja Monteleoni Regieassistenz: Theresa Prey

von Ödön von Horváth Regie: Mona Kraushaar Bühne und Kostüme: Katrin Kersten Lichtgestaltung: Luca Bellemo mit: Linda Covi, Emil Lug, Sebastian von Malfèr, Christoph Griesser, Janine Wegener, Georg Kofler, Helmuth Mederle, Alexander Rainer, Mia Nicolussi, Anton Steiner zum Stück: „Und die Liebe höret nimmer auf“ lautet das Motto, das Ödön von Horvath seinem Stück voranstellt. Aber im Rausch des Volksfests, zwischen Achterbahn und Zuckerwatte, endet die Liebe von Kasimir und Karoline. Kasimir, der an diesem Tag seine Kündigung als Chauffeur erhalten hat, und Karoline, die ihren Traum vom besseren Leben träumt. Während das Fest um sie herum ausgelassener wird, treiben die beiden immer weiter auseinander. Im Milieu der Kleinbürger*innen sucht man mit fortschreitender Stunde Trost im Alkoholexzess und blickt in menschliche Abgründe. Menschen begegnen einander, benutzen einander und träumen im Taumel davon, die Grenzen ihres Seins zu verschieben. Wie durch ein Brennglas blickt Horváth auf diese zwischenmenschlichen Beziehungen, die von der ökonomischen Krise in Mitleidenschaft gezogen werden - ein Brandbeschleuniger für den Zerfall von Liebe, Glaube und Hoffnung. Tragikomisch und mit melancholischer Poesie erzählt der Autor von der Suche nach Glück in schwierigen Zeiten; von Liebe, Armut, Hoffnung und der Frage, ob man dem eigenen Schicksal entkommen kann.

Ausgetrickst Ein Abend voller Zauberei, Comedy & Schattenspiel! Julian Button ist ein Multitalent. Er ist nicht nur preisgekrönter Zauberer und ausgezeichneter Schattenspieler, sondern auch ausgebildeter Musicaldarsteller. Er begeistert sein Publikum auf Musical-, Theater- und Varietébühnen. In seinem Soloprogramm vereint der Künstler geschickt verschiedenste Unterhaltungsformen miteinander. Seine freche Art, sein Wortwitz und eine perfekte Fingerfertigkeit machen ihn zu einem der besten Zauberer Deutschlands. „Ausgetrickst“ ist viel mehr als ein zauberhafter Abend. Julian Button zeigt mit komödiantischem Talent, wie er sein Publikum um den Finger wickelt. Das Spannende ist, dass nicht nur Julian sein Publikum austrickst sondern es sich auch selbst. Scheinbar werden Sie von Julian Button in seine Geheimnisse eingeweiht, nur um am Ende des kurzweiligen Abends festzustellen, dass er Sie doch ausgetrickst hat. Licht aus, Phantasie an. Lassen Sie sich verzaubern!

Mit: Georg Kaser, Peter Schorn Regie: Marc Günther „Was die Welt im Innersten zusammenhält…“ Seit 2013 gespielt, erfreut sich das fulminante Spektakel mit Tiefgang immer noch ungebrochener Beliebtheit und so ist auch 2026 Goethes Faust eine feste Größe im ehemaligen Gefängnis. Kaser und Schorn nähern sich dem Mysterium in dieser immer noch zeitgemäßen Inszenierung von Marc Günther auf ganz unverkrampfte Art: Das Stück beginnt schlicht als Goethe-Lesung, bald schon verselbständigen sich aber die Figuren und die Geschichte zieht die beiden Schauspieler in ihren Sog. Mit einfachen Mitteln verwandeln sie sich in „höllischem“ Tempo von Faust und Mephisto in Gretchen und Famulus Wagner, vom suspekten Pudel und besorgten Bruder zur gewissenlosen Marthe, zu Meerkatern und Hexen… Und das ist erst ein Tröpfchen Fegefeuer!

Magicomio è uno spettacolo difficile da etichettare. Attraverso il filo conduttore di giochi di prestigio assolutamente originali, il coinvolgimento del pubblico, e un ritmo comico velocissimo, si guarda agli automatismi dell’essere umano, si parla di poesia, e si celebra il cinema. Dal 1989 “Magicomio” ha toccato le 2800 repliche, tradotto in quattro lingue, e ha visitato quattro continenti. Scimemi fa ridere per tutta la durata dello spettacolo, ma non è un semplice comico è un “animale da palcoscenico” fuori dagli schemi che trascina il pubblico in un mondo surreale di fantasia e comicità. Lo spettacolo è in lingua italiana. Aber Magie ist eine universelle Sprache!

Toyboys Nachdem sie weit gereist sind, um ihre skurrilen Konzerte zu ­präsentieren, hatten die Jashgawronsky Brothers eine brillante Idee: Warum nicht eine Schule gründen, in der sie die musikalischen Kuriositäten lehren, die sie in 23 Jahren rund um die Welt entwickelt haben? Dieser Traum wurde Wirklichkeit! Wir laden Sie ein, an der Jahresabschlussaufführung teilzunehmen. Es ist wahrscheinlich die unwahrscheinlichste Performance, die Sie je gesehen haben. In dieser Schule wird das Spielen mit Spielzeug gelehrt! ­Sprechende Mäuse, klingende Bauernhöfe, Rasseln, Tröten, ­Puppen, Marionetten, Ukulelen, Flöten, Gitarren und Keyboards. Stellen Sie sich The Beatles in der Grundschule oder Queen im Kindergarten vor, nachdem sie einen Spielzeugladen ausgeraubt haben! Lassen Sie sich von frecher Komik mitreißen und genießen Sie die unglaublichsten musikalischen Kunststücke. Eine Show zwischen Clownerie und musikalischer Virtuosität, eine Abfolge von Comedy, Rhythmus, Musik und Theater. Die Jashgawronsky Brothers sind exzellente Musiker und Schauspieler. Freuen Sie sich mit uns auf Toyboys.

“Das Eulenmädchen” racconta la storia di Marei, che vive al limitare del bosco. Parla con gli alberi e il vento, filosofeggiando sul senso della vita e della morte con un gufo. Gli altri considerano Marei strana. Ma cos’è la stranezza e dov’è il confine tra stranezza e saggezza? Un fantasioso spettacolo sulla natura, sull’amicizia e sul potere dell’ascolto. In “Der Brandner Kaspar und das ewig’ Leben”, la vivace Kasparin non pensa alla morte, tanto che, quando appare il Boandlkramer, il messaggero della morte, lo invita a bere una grappa e a giocare a carte – mettendo in gioco la propria vita. Tra umorismo e astuzia nasce una storia di coraggio e amore, e ci si interroga su ciò che conta davvero nella vita. 16:30 Das Eulenmädchen: Angelica Ladurner e compagnia, commedia per bambini 18:00 Der Brandner Kaspar und das ewig’ Leben: Kurt Wilhelm, tratto da Franz von Kobell | rielaborazione per il teatro di strada di Angelica Ladurner, commedia

Unverändert NEU! 25 Jahre Helfried: Der Billig-Schampus ist eingekühlt, die Salzbrezel stehen bereit für die große Jubiläums-Pressegala. Nur eine einzige Person ist gekommen: Maria, freie Mitarbeiterin eines Theatermagazins, wurde zufällig zum Termin eingeteilt. Der neurotische Helfried will seine bis ins Detail geplante Präsentation durchziehen und ist davon überzeugt: Was ihm Spaß macht, bringt auch anderen eine große Freude. Doch die unverblümte, kecke Maria bringt den Jubilar immer mehr aus dem Konzept. Der Komiker wird von der Frau schonungslos mit der Realität konfrontiert: Helfried lebt augenscheinlich von seinen Erfolgen der Vergangenheit. Ist ein Fossil wie er überhaupt noch bühnentauglich? Könnte man ihn wenigstens noch als „Vintage“ vermarkten? Wird ihn Marias frischer Wind zur Verzweiflung oder zu neuen Erfolgen bringen? Christian Hölbling und Maria Weichesmüller lassen die Kunstfigur Helfried zwar sich selbst treu bleiben, aber doch in ganz anderem Licht erscheinen. Geschickt werden Helfried-Klassiker in eine neue Handlung verwoben, werden Stand-Ups und originelle Dialoge verwendet, um den Kultcharakter gründlich zu entstauben. Und das alles mit viel Witz und Spielfreude. Kabarett von und mit Christian Hölbling und Maria Weichesmüller

Lindners Lebenslust Viele der irrwitzigen Geschichten aus ihrem Bestseller „Miss Verständnis“ schrien danach, auf die Bühne zu kommen. Jetzt ist es soweit: All das, was Constanze Lindner ausmacht, hat die schlagfertige und grandiose Künstlerin in ein Bühnenprogramm gepackt und lädt ein zu „Lindners Lebenslust“. Sie redet, springt, lacht, liest, verteilt großzügig ihre ansteckende gute Energie und wirft mit einer Begeisterung um sich, die es kein zweites Mal gibt. Constanze hat all den Frohsinn, der in ihr steckt, in dieses Buch gepackt und bringt es irre komisch auf die Bühne. Mit Scharfsinn und Humor zeigt Constanze Lindner, worauf wir im Leben getrost verzichten können und was uns wirklich glücklich macht. Wer diesen Abend erlebt, merkt auf einmal wie saukomisch Tipps für den Umgang mit sich selbst sein können.Und wenn einer meint, dies wäre nur was für Frauen, dann hat Mann etwas gehörig Miss Verstanden! „Die bisher lustigste Lesung eines Frauenbuchs!“ „Mit der Wärme, die dieses Lindner Kraftwerk in einer Vorstellung erzeugt, könnte man einen Winter lang heizen.“

Gli allievi e le allieve di MurX della settimana di danza (17–21 agosto) presentano, durante il Lungo Mercoledì di Appiano, il risultato del lavoro svolto nel corso della settimana. Uno spettacolo ricco di energia, creatività e passione per la danza!

Simon Steen-Andersen + Michael Gordon & Bill Morrison Transart26 inaugura con CRASH, una performance musicale dedicata alla ricerca sonora e audiovisiva in collaborazione con la Fondazione Haydn di Bolzano e Trento. In prima italiana, Piano Concerto di Simon Steen-Andersen e Gotham di Michael Gordon e Bill Morrison, scardinano le convenzioni, ridefinendo i confini del concerto tradizionale. Affidati all'Orchestra Haydn diretta da Vimbayi Kaziboni, i due lavori alimentano un dialogo serrato tra suono e immagine, trasformando l'esperienza musicale in un organismo sensoriale denso e pulsante. Piano Concerto di Simon Steen-Andersen La sperimentazione è il filo conduttore dell'opera Piano Concerto (2014) di Simon Steen-Andersen, compositore danese celebre per la sua capacità di intrecciare performance, video e ricerca sonora in linguaggi radicalmente nuovi. Al centro un intenso dialogo multimediale: la pianista Ning Yu, allo strumento integro e accordato, si confronta con la videoinstallazione di un secondo esecutore impegnato sui resti di un pianoforte precipitato da otto metri su un pavimento di cemento. A fungere da controparte digitale in questo “doppio concerto” è Nicholas Hodges, icona del pianismo contemporaneo, che presentò l’opera a Donaueschingen nel 2014 e qui riappare come presenza virtuale. La tensione tra la precisione dello strumento intatto e la materia fratturata del pianoforte “ferito” si fa sostanza musicale. L’orchestra ne raccoglie l’energia, l’amplifica e la traduce in una partitura di grande densità e precisione, che dilata l’evento nello spazio e nel tempo. Gotham di Michael Gordon e Bill Morrison Gotham è un viaggio sensoriale e ipnotico nella città che non dorme mai, New York, raccontata dal compositore Michael Gordon e dal filmmaker Bill Morrison. Musica e immagini d’archivio della New York di inizio Novecento — una metropoli in piena trasformazione industriale e urbana — convergono in una sinfonia filmica che trasforma la memoria della città in materia viva e pulsante. Cantieri, skyline immersi nel fumo, ascensori che scorrono tra i grattacieli e improvvise immagini pastorali — un gregge a Central Park, un uomo che accudisce le pecore — compongono il ritratto frammentato di una città in perenne divenire. La partitura cresce e si accende, ora fragile, ora travolgente, catturando il caos, l’intensità e l’energia incessante della metropoli. Gotham non idealizza: mostra polvere, rumore e ritmo incessante, insieme alla sua durezza e alla sua meraviglia. È un’esperienza immersiva che trascina lo spettatore nel cuore della città, tra memoria, movimento e sogno. Il biglietto include l'accesso a entrambe le performance.

Opera Aperta Come si crea un’opera sotto la minaccia quotidiana della guerra? Il collettivo ucraino Opera Aperta risponde a questa domanda con un lavoro interdisciplinare che unisce teatro, musica e riflessione politica. Mōdraniht. Songs of Winter War è il viaggio di un ensemble artistico attraverso stili, testi, temporalità, macro e microstorie. Il progetto si radica in un percorso reale del collettivo attraverso geografie ferite e ritualità ancestrali: dai Monti Carpazi, segnati da conflitti e trasformazioni politiche, al Mar d’Aral in Uzbekistan, emblema di una delle più gravi catastrofi ambientali causate dall’uomo, fino al fenomeno de “La Vijanera” a Silió, in Cantabria, antico carnevale che sopravvive come festa comunitaria. Immaginario drammaturgico del lavoro è la Mōdraniht, la “Notte delle Madri”, antico rito pagano anglosassone legato al solstizio d’inverno. Un’opera di teatro musicale potente e di grande attualità, capace di trasformare conflitti reali, traumi bellici e catastrofi ambientali in una narrazione rituale. Consigliato a partire dai 18 anni. La performance contiene nudità. Vengono utilizzati effetti stroboscopici e suoni ad alto volume.

Südtiroler Künstlerbund + Fondazione Antonio Dalle Nogare DRAWN TO RISK nasce dalla collaborazione tra il Südtiroler Künstlerbund (SKB) e la Fondazione Antonio Dalle Nogare nell'ambito di Transart. In una matinée performativa, gli spazi espositivi si trasformano in una Casa della Performance: un luogo vivo di ricerca, sperimentazione e incontro. Il progetto promuove pratiche performative coraggiose e radicali che esplorano il rapporto tra corpo, spazio e questioni sociali attraverso azioni fisiche o mentali immediate. Nascono così nuove prospettive, mentre gli spazi del museo diventano luoghi di presenza artistica e interazione attiva. DRAWN TO RISK intende l'arte come un laboratorio del presente – uno spazio di sperimentazione, apertura e scambio – e mira a dare maggiore visibilità alla performance art in Alto Adige. artistə selezionate: Matteo De Caminada, frranzrrrina, Peter KOMPRIPIOTR Holzknecht, Katharina Theresa Mayr, Harald Plattner, Camilla Prey, Susanna Schoenberg, Leander Schwazer, Lena Simonetti, Valeria Stuflesser

Fernando Strasnoy, Gaetano Palermo, Michele Petrosino, Giuliana Kiersz Dopo il debutto nel 2025 di Ouverture, opera-performance a cappella per cinque cantanti e cinque tapis roulant, Ouverture (Extras) ne costituisce una nuova versione pensata per gli spazi del Teatro Comunale di Bolzano. Collocandosi in uno spazio-tempo di soglia, l’opera indaga la tensione performativa che anticipa l’evento, dello spettacolo come della vita. I preparativi e i rituali della lirica si intrecciano a quelli della pratica sportiva e del wellness, alla ricerca di un benessere, o di una forma, sempre a venire. Abitando la sala prove del teatro, questa nuova configurazione ridefinisce i rapporti tra figura e sfondo, scena e fuori scena, mentre voce, parola e movimento concorrono a mettere a nudo il paradosso del corpo contemporaneo: disciplinato e insieme consumato, sospeso tra promessa di equilibrio e autosfruttamento. Il punto di ritrovo per l'accesso alla performance è nel foyer del teatro.

Xiu Xiu + Matthew Herbert Negli spazi di Rothoblaas, due visioni radicali della ricerca sonora si incontrano in un evento con Museion: gli Xiu Xiu, duo experimental-alternative di Jamie Stewart e Angela Seo, e Matthew Herbert, pioniere dell'elettronica da sempre dedito al superamento delle convenzioni musicali. ERASERHEAD XIU XIU di Xiu Xiu ERASERHEAD XIU XIU è un’immersione viscerale nell’universo di Eraserhead (1977), il capolavoro d’esordio di David Lynch. Dopo il progetto Plays the Music of Twin Peaks, gli Xiu Xiu tornano a confrontarsi con l'immaginario del regista, traducendolo in un’esperienza multimediale totale. Qui il suono, plasmato attraverso registrazioni live, strumenti artigianali, sintetizzatori modulari ed elementi di musica concreta, entra in simbiosi con un apparato visivo creato ad hoc: riprese originali, lampi di luce e texture analogiche evocano l'estetica notturna e industriale del film. Ne scaturisce un paesaggio sonoro ipnotico, una densa forma audiovisiva che rielabora i temi del film in una reinterpretazione autonoma, dove i confini tra sogno, memoria e realtà svaniscono completamente. theukhasmorefoodbanksthanbranchesofmcdonalds.com di Matthew Herbert Da oltre trent’anni Matthew Herbert lavora ai margini più radicali dell’elettronica, trasformando i suoni del mondo reale – dal ciclo di vita di un maiale al fragore di un bombardamento in Libia – in materiale politico, emotivo e ritmico. Il suo ultimo lavoro da solista trasforma in titolo una statistica brutale: nel Regno Unito le banche alimentari hanno ormai superato per numero le filiali di McDonald’s. Dai circa 35 del 2010 si è arrivati a oltre 2.800 food bank, che nel 2023 hanno distribuito oltre tre milioni di pacchi. L’album nasce dal campionamento di beni di prima necessità — lattine, sapone, pannolini, riso, shampoo — trasformati in energia sonora cruda e fisica. Il risultato è un’elettronica sperimentale pensata per il dancefloor, capace di infondere energia ma, allo stesso tempo, destabilizzare. Il biglietto include l'accesso a entrambe le performance. Nel biglietto è incluso anche l'accesso al simposio SOUNDS LIKE THE FUTURE - Giorgio Moroder across media, arts and communication, previsto per lo stesso giorno, alle ore 09:30 presso la Libera Università di Bolzano.

ZOE - Theater im Forst Nel 1935, a un solo anno dalla sua tragica scomparsa, Federico García Lorca compose un ciclo di sonetti dedicati al suo amore e amante, Juan Ramírez de Lucas. Questi versi, noti come i Sonetos del Amor Oscuro, sono un’esplosione di passione, carnalità e intimità, sorprendentemente lirica e musicale. La loro storia è densa di ombre: custoditi nel silenzio per decenni dalla famiglia, emersero solo nel 1983 in un’edizione pirata, diventando immediatamente un oggetto di culto. Queste poesie brucianti costituiscono oggi il cuore pulsante di un dialogo transdisciplinare che anima la ricerca di Zoe-Theater im Forst. Qui la parola si fa corpo, movimento e suono: un’esperienza dove il sublime incontra la carne e l’amore si manifesta come armonia, desiderio e materia viva. Dell'amore oscuro accoglie la complessità del materiale originale in un processo creativo che intreccia drammaturgia, musica e danza su un unico piano espressivo. Il testo di Lorca diventa così la radice di un dialogo paritario tra i linguaggi, un incontro vitale e libero da gerarchie predefinite. Sul palco, un quartetto d’archi dal vivo, un attore e un danzatore: sei corpi che, guidati dalle proprie discipline, interagiscono per restituire l’immediatezza e l’urgenza di queste parole. I sonetti, scritti da un uomo per un uomo e per uno solo, proprio nella loro radicalità trascendono il particolare per farsi universali: evocano passione e fragilità, scuotono l’anima e invitano a una profonda condivisione. “Tra come mi ami, e come ti amo io / Aria di stelle, tremito di pianta” Lo spettacolo è in lingua italiana, con sottotitoli in tedesco.

Rocío Márquez, Javi Mora, Los Voluble Un’anteprima scandita da talk e performance introduce Flamenco sin género(s), progetto a cura di Esther Regueira Mauriz, che interpreta il flamenco come pratica viva e in costante mutamento. Nato ai margini, nell'oscurità della notte e nell'incontro tra culture rom, musulmane, ebraiche e cristiane, il flamenco rivendica, in questa cornice, la propria natura plurale, radicale e stratificata. In un dialogo stretto tra tradizione e avanguardia, il progetto mette in luce alcune delle ricerche più audaci del flamenco contemporaneo: pratiche che sfuggono a etichette e categorie di genere e che si misurano, in modo critico e sperimentale, con le tensioni del presente. Con Rocío Márquez – per l’occasione accompagnata da Javi Mora – e Los Voluble, la serata offre un primo sguardo sulle traiettorie artistiche del progetto. L'evento anticipa le serate del 17 settembre al NOI Techpark di Bolzano e del 18 settembre allo Stadttheater Bruneck.

Thom Luz Nella penombra di una radura boschiva, tra i resti di un’auto ridotta a un cumulo di lamiere fumanti, una radio agonizzante diffonde le note di Felix Mendelssohn Bartholdy. Su questo scenario fatto di rottami e sogni da salotto, cinque artefici del suono e dell’illusione danno forma alla loro opera: un montaggio minuzioso che, nel corso della performance, ricompone ogni scheggia e ogni risonanza in una scultura sonora dello schianto. In dialogo con questo ammasso di rottami in lenta ricomposizione, un trio elettroacustico di musica da camera dilata il ciclo pianistico di Mendelssohn, Lieder ohne Worte, esplorando nuove dimensioni di riverberi e paesaggi sonori. Così, la fine di un road movie diventa l’incipit dell’ultimo esperimento di teatro musicale del regista e scenografo svizzero Thom Luz. Lieder ohne Worte parla di shock e di afasia, di cambi di prospettiva, di distruzione e futuro, ma anche della necessaria ricostruzione del presente. Come siamo finiti a schiantarci contro un muro? Siamo ancora vivi? E adesso? Laddove le parole non bastano, i suoni si riorganizzano. Dal dialogo tra immagini catastrofiche e sovrapposizioni musicali scaturisce una composizione spaziale sottile, frutto di una riflessione minuziosa. Lo spettacolo contiene pochi dialoghi in tedesco, inglese e francese, con sottotitoli.

Romeo Castellucci Romeo Castellucci torna a Transart con Credere alle maschere, creazione presentata in prima assoluta a FOG – Performing Arts di Triennale Milano. Un’esperienza immersiva, priva di parola, che convoca un alfabeto di immagini, silenzi e maschere, chiamando in causa la responsabilità dello sguardo. Una stanza vuota, asettica. All’ingresso, cinquanta maschere che generano la sospensione della propria identità e l’adesione a una comunità temporanea di volti senza nome. In questo anonimato condiviso, chi guarda è a sua volta guardato, in un silenzio carico di tensione. Al centro, una sedia isolata, evocazione muta di violenza e potere, concentra lo sguardo: è un oggetto che racchiude una lunga storia tra arte e morte. La finzione teatrale si incrina e, con essa, la rassicurante separazione tra scena e pubblico. Presentata alla Triennale Milano, Credere alle Maschere conferma la radicalità di Romeo Castellucci, figura centrale del teatro contemporaneo europeo. Un’esperienza che sottrae ogni rifugio, chiamando chi partecipa a confrontarsi con la responsabilità del proprio sguardo. Consigliato a partire dai 14 anni di età.

Rocio Marquez, Paula Comitre, Los Voluble Flamenco sin Género(s), a cura di Esther Regueira Mauriz, esplora le forme più radicali e innovative del flamenco contemporaneo. La rassegna mette in relazione tradizione e avanguardia attraverso opere che sfidano classificazioni e confini prestabiliti, rivelando un flamenco vivo, plurale e in costante trasformazione. Presso il NOI Techpark di Bolzano, la rassegna accoglie: Rocío Márquez con Himno Vertical, Paula Comitre con Après Vous, Madame e Los Voluble con Flamenco is not a crime. Himno Vertical di Rocío Márquez Himno Vertical di Rocío Márquez nasce dall'incontro tra la cantaora andalusa e il chitarrista Pedro Rojas Ogáyar, trasformando il Requiem – tradizionalmente canto d'addio e messa in onore dei defunti – in un'opera che non celebra soltanto la fine, ma anche l'inizio, il fluire e la trasformazione. Lontano dall'idea di un lavoro chiuso e riconducibile a un'unica autorialità, il progetto prende forma come un'eco corale e collettiva: un rito di commiato e di accoglienza insieme, una cerimonia che invita a pensare vita e morte non come poli opposti, ma come parte di un unico movimento continuo. Sul palco, la voce di Márquez e la chitarra di Rojas Ogáyar costruiscono uno spazio sonoro intimo e immersivo, in cui sperimentazione, improvvisazione e libertà creativa incontrano le radici del flamenco jondo, tra suggestioni di poesia classica e contemporanea. Après Vous, Madame di Paula Comitre Negli anni Venti, quando Parigi era l’epicentro delle avanguardie, Antonia Mercé, nota come “La Argentina” (1890–1936), rivoluzionò il flamenco, elevandolo a linguaggio moderno e universale. Da questa eredità luminosa nasce Après vous, madame, progetto in cui la bailaora e coreografa Paula Comitre attraversa il lascito dell’artista per trasformarlo in una creazione contemporanea, audace e visionaria. Più che un tributo biografico, l’opera apre un dialogo tra epoche: la memoria di La Argentina incontra una nuova scrittura coreografica, in cui il flamenco entra in relazione con la ricerca musicale e la sperimentazione visiva. In scena, il gesto della danza dialoga con le sonorità del pianoforte e con suggestive installazioni tessili, creando uno spazio sospeso tra memoria storica e invenzione creativa. Prende così forma un’opera vibrante, capace di restituire nuova vitalità a un’arte che attraversa il tempo senza smettere di reinventarsi. Flamenco is not a crime di Los Voluble Flamenco is not a crime è il progetto audiovisivo e performativo di Los Voluble – il duo formato dai fratelli Pedro e Benito Jimenez – che intreccia flamenco, electronica, cultura critica e pratiche di remix audiovisivo politico. Ispirato al movimento “free party is not a crime” e in continuità con la ricerca sviluppata in lavori come Raverdial ed En el nombre de – incentrati sulla festa, sulla dimensione collettiva e sulla complessità del remix – il progetto esplora il flamenco attraverso alcune delle sue tensioni più vive: tra purismo e avanguardia, spirito ribelle e virtuosismo tecnico. Attraverso materiali d’archivio e manipolazioni video live, Los Voluble mette in relazione il flamenco con generi come gqom, footwork, experimental dub, grime e reggaeton, rivendicandolo come uno spazio libero, aperto e ibrido. Un progetto che supera ogni idea di purezza e rilancia il flamenco come uno spazio di libertà, collisione e continua reinvenzione. Il biglietto include l'accesso a tutte e tre le performance.

Romeo Castellucci Romeo Castellucci torna a Transart con Credere alle maschere, creazione presentata in prima assoluta a FOG – Performing Arts di Triennale Milano. Un’esperienza immersiva, priva di parola, che convoca un alfabeto di immagini, silenzi e maschere, chiamando in causa la responsabilità dello sguardo. Una stanza vuota, asettica. All’ingresso, cinquanta maschere che generano la sospensione della propria identità e l’adesione a una comunità temporanea di volti senza nome. In questo anonimato condiviso, chi guarda è a sua volta guardato, in un silenzio carico di tensione. Al centro, una sedia isolata, evocazione muta di violenza e potere, concentra lo sguardo: è un oggetto che racchiude una lunga storia tra arte e morte. La finzione teatrale si incrina e, con essa, la rassicurante separazione tra scena e pubblico. Presentata alla Triennale Milano, Credere alle Maschere conferma la radicalità di Romeo Castellucci, figura centrale del teatro contemporaneo europeo. Un’esperienza che sottrae ogni rifugio, chiamando chi partecipa a confrontarsi con la responsabilità del proprio sguardo. Consigliato a partire dai 14 anni di età.

Rocio Marquez, Los Voluble Flamenco sin género(s), a cura di Esther Regueira Mauriz, esplora le forme più radicali e innovative del flamenco contemporaneo. La rassegna mette in relazione tradizione e avanguardia attraverso opere che sfidano classificazioni e confini prestabiliti, rivelando un flamenco vivo, plurale e in costante trasformazione. Presso lo Stadttheater Bruneck, la rassegna accoglie: Rocío Márquez con Himno Vertical e Los Voluble con Flamenco is not a crime. Himno Vertical di Rocío Márquez Himno Vertical di Rocío Márquez nasce dall'incontro tra la cantaora andalusa e il chitarrista Pedro Rojas Ogáyar, trasformando il Requiem – tradizionalmente canto d'addio e messa in onore dei defunti – in un'opera che non celebra soltanto la fine, ma anche l'inizio, il fluire e la trasformazione. Lontano dall'idea di un lavoro chiuso e riconducibile a un'unica autorialità, il progetto prende forma come un'eco corale e collettiva: un rito di commiato e di accoglienza insieme, una cerimonia che invita a pensare vita e morte non come poli opposti, ma come parte di un unico movimento continuo. Sul palco, la voce di Márquez e la chitarra di Rojas Ogáyar costruiscono uno spazio sonoro intimo e immersivo, in cui sperimentazione, improvvisazione e libertà creativa incontrano le radici del flamenco jondo, tra suggestioni di poesia classica e contemporanea. Flamenco is not a crime di Los Voluble Flamenco is not a crime è il progetto audiovisivo e performativo di Los Voluble – il duo formato dai fratelli Pedro e Benito Jimenez – che intreccia flamenco, electronica, cultura critica e pratiche di remix audiovisivo politico. Ispirato al movimento “free party is not a crime” e in continuità con la ricerca sviluppata in lavori come Raverdial ed En el nombre de – incentrati sulla festa, sulla dimensione collettiva e sulla complessità del remix – il progetto esplora il flamenco attraverso alcune delle sue tensioni più vive: tra purismo e avanguardia, spirito ribelle e virtuosismo tecnico. Attraverso materiali d’archivio e manipolazioni video live, Los Voluble mette in relazione il flamenco con generi come gqom, footwork, experimental dub, grime e reggaeton, rivendicandolo come uno spazio libero, aperto e ibrido. Un progetto che supera ogni idea di purezza e rilancia il flamenco come uno spazio di libertà, collisione e continua reinvenzione. Il biglietto include l'accesso a entrambe le performance.

Manuel Zwerger Un luogo abbandonato si trasforma in un corpo sonoro. The Sanatorium of Soft Gravity è un progetto di teatro musicale immersivo che si colloca tra installazione, concerto e composizione scenica: spazio, suono, movimento e luce si condensano in un'esperienza attraversabile. Al centro del lavoro vi sono due ensemble. I loro strumenti sono amplificati e arricchiti da basi audio, oggetti sonori autocostruiti e una macchina semi-analogica sviluppata appositamente, collegata direttamente allə musicistə tramite tubi e connessioni meccaniche. Essa agisce simultaneamente come corpo risonante, elemento scenico scultoreo e presenza autonoma all’interno dell’installazione. I suoni attraversano lo spazio, vengono spostati, trasformati e ricollocati. Ispirata all’atmosfera del sanatorio de La montagna incantata di Thomas Mann, l’opera genera una condizione di lieve slittamento percettivo: una dimensione sospesa tra concerto, installazione e sogno.