Vernissage Introduzione di Eva Gratl Sarà presente la figlia di Karl Plattner A quarant'anni dalla scomparsa — avvenuta a Milano l'8 dicembre 1986 — Karl Plattner (Malles Venosta, 1919 – Milano, 1986) resta la figura più rilevante dell'arte figurativa altoatesina del secondo Novecento. Nel corso di una vita trascorsa tra Firenze, Parigi, il Brasile e infine Milano, Karl Plattner costruisce un linguaggio pittorico personalissimo e immediatamente riconoscibile, sospeso tra una sensibilità post-cubista e gli echi dell'espressionismo mitteleuropeo.

Time of Monsters traccia un percorso nella ricerca artistica di Reem Masri, dal 2018 a oggi. Il lavoro dell’artista indaga da tempo il rapporto tra territorio e memoria. Nella mostra Time of Monsters, corpo e terra emergono come territori che possono essere occupati, segnati da proliferazioni tumorali, incisi e contesi: i loro spazi vengono alterati, frammentati, sfigurati. Masri annulla la distanza tra l’idea di un corpo occupato e quella di una terra occupata, considerando entrambi come luoghi in cui si iscrivono vulnerabilità, violenza, memoria e resistenza. Reem Masri è un’artista visiva palestinese, nata a Gerusalemme nel 1991. La sua pratica spazia dalla pittura al disegno, dal collage all’installazione. È inoltre docente presso la Facoltà di Arte, Musica e Design dell’Università di Birzeit, a Ramallah. Mostra: 26.11.2026—13.02.2027 Evento: 23 novembre 2026, ore 18.00–20.00. Incontro con Reem Masri e Yasmin Riyahi. Discussione moderata da Davide Ferrando.

Grau – zwischen Licht und Schatten, Nähe und Distanz, Eindeutigkeit und Ungewissheit. Kaum eine Farbe wirkt zurückhaltender und ist zugleich so vieldeutig. Zwischen Schwarz und Weiß angesiedelt, entzieht sich Grau den klaren Gegensätzen. Es ist die Farbe des Dazwischen – für Balance und Kompromiss, aber auch für Zweifel, Melancholie, Distanz und Vergänglichkeit.

Ingresso libero e brindisi con Altemasi, non mancare! In dialogo con il proprio patrimonio di opere, materiali e fondi di archivio, il Mart prosegue l’indagine sulle vicende artistiche nell’Italia del XX secolo. In particolare, la mostra Fronti opposti. Arte italiana tra Guttuso e Vedova approfondisce il periodo del secondo dopoguerra, dalla Biennale di Venezia del 1948, con la quale l’Italia torna a dialogare con il sistema dell’arte internazionale, alla Biennale del 1964, che celebrerà la rivoluzione della Pop Art americana. Sono anni durante i quali si sviluppano due correnti principali: una figurativa e una più astratta, accomunate dalla volontà di manifestare il proprio pensiero con energia e consapevolezza. Se la prima tende al realismo sociale, perseguendo intenti politici ideologici che credono nella funzione civile e morale dell’arte, raccontando il mondo del lavoro, la condizione umana, la guerra e la ricostruzione; la seconda, informale, si concentra sull’energia vitalistica e drammatica del gesto pittorico che, ugualmente, è manifestazione di un pensiero filosofico e politico. La querelle tra arte figurativa e arte astratta rappresenta un tema forte, discusso per diversi anni non solo in ambito accademico. Protagonisti di questo dibattito sono, tra gli altri, Renato Guttuso ed Emilio Vedova. Pur non portando ad alcuna risposta definitiva, il confronto tra posizioni divergenti apre la strada a un’incessante e vitale sperimentazione che culmina nell’opera radicale di tre artisti che restituiranno all’arte italiana la sua posizione internazionale: Lucio Fontana, Alberto Burri e Piero Manzoni. A cura di Daniela Ferrari Mostra: 28.11.2026 - 04.04.2027 Immagine: Renato Guttuso, "Le donne degli zolfatari di Lercara durante uno sciopero (Le donne dei minatori)", 1953, Mart, Collezione VAF-Stiftung

Cosa resta quando tutto cambia? Nella sua mostra INTERIM, la fotografa Daniela Brugger, originaria della Val Senales, affronta il tema della transitorietà: tra passato e presente, tra stati e cambiamenti, che spesso iniziano in modo quasi impercettibile e finiscono per coinvolgere tutto. Ghiacciai che si sciolgono, corpi che invecchiano, spazi familiari ed esperienze personali di malattia e vulnerabilità si incontrano in diversi lavori fotografici. Ciò che a prima vista sembra distante è invece collegato da un unico pensiero: nulla resta com’è, anche se lo vorremmo. Nella serie “Inside Out” il paesaggio si insinua nello spazio privato, mettendo in discussione la presunta sicurezza di ciò che è familiare. Ritratti raccontano del tempo vissuto, mentre le immagini dei ghiacciai e di una natura frammentaria documentano un cambiamento che supera di gran lunga la sfera dell’umano. Una serie di immagini molto intimi rivolge lo sguardo al proprio corpo e all’esperienza della malattia. Anche la fotografia stessa diventa oggetto di riflessione: Daniela Brugger lavora con doppie esposizioni, immagini in negativo, cianotipie e diverse tecniche di stampa. Le foto vengono sovrapposte, alterate e inserite in nuovi contesti. Alcune lasciano a malapena intravedere la loro origine fotografica. La fotografia immortala un istante e trasmette l’illusione di una persistenza, che in un secondo momento palesa la sua precarietà. In questa contraddizione si muove INTERIM: tra il trattenere e il lasciar andare, tra ciò che è stato e ciò che sta per nascere. Introduzione: Patrizia Pfeifer (in lingua tedesca) Mostra: 28/11/2026 - 12/12/2026

Chiude l’anno della Galleria Civica la doppia personale dello scultore Walter Moroder, (Ortisei, 1963) e della pittrice Marta Spagnoli (Verona, 1994). Il filo rosso che unisce questi artisti, profondamente diversi per linguaggio e medialità, è la profonda conoscenza dell’arte extraeuropea, che viene filtrata nelle loro opere dalla matura padronanza delle tecniche tradizionali dell’arte italiana, la scultura lignea di scuola gardenese da un lato e la pittura timbrica di matrice veneziana dall’altro. Nelle sculture di Moroder tempi sospesi, lunghi silenzi e pause suggeriscono una meditazione sull’esistenza umana, i personaggi sembrano non appartenere al mondo reale, hanno qualcosa di astratto, universale. Pur coerente con la scelta fondante che da sempre ne definisce il linguaggio (l’indagine sul corpo umano e sulle articolazioni della forma), nella piena maturità dell’artista emerge un inedito senso di inquietudine, il presagio di un cambiamento. Nelle pitture di Spagnoli c’è una tensione permanente tra il gesto fisico, istintivo e una dimensione più contemplativa, impegnata a equilibrare l’intensità cromatica con ampie zone di vuoto. È un lavoro fatto di suggerimenti più che di definizioni: la materia pittorica lascia affiorare forme durante il suo stesso farsi, le immagini non vengono stabilite a priori, ma si rivelano. Una visione rara e preziosa nel panorama contemporaneo oggi dominato da una figurazione sempre più esplicita. A cura di Gabriele Lorenzoni Mostra: 5 dicembre 2026 - 7 marzo 2027

Meine Arbeiten kennzeichnen sich durch an Schriftzüge erinnernde Linien, welche sich in die ideographische Bildlandschaft der breitflächig bemalten Leinwände einfügen. Dadurch stelle ich nicht nur die Integrität des Bildes in Frage, sondern auch die gewohnte, vom Betrachter geforderte Interpretationshilfe von Schrift. Es handelt sich um die pikturale Weiterung von poetischen Strukturen. Diese setzen wiederum einen Verständnisprozess in Gang, der sich in der Wechselwirkung mit dem Anderen vollzieht. Mit meinen Arbeiten wage ich den Versuch, Malerei als Drama zu verstehen; also einen Ort für visuelle Erfahrung zu schaffen, wo keine Erklärung gegeben, sondern ein andauernder Konflikt dramatisch ausgetragen wird. Die Betrachter werden dazu angehalten, die Bilder nicht ausschließlich als visuelle Erscheinung wahrzunehmen, sondern die Schriftfragmente ihrerseits assoziativ, symbolisch und kulturell zu interpretieren. Was dargestellt wird, bleibt dadurch ahnungsvoll vage. Wohin geht die Reise? Ich erzähle auf meinen Bildern nichts nach, sondern zeige, wie sich Wege und Spuren überschneiden. Die schriftlichen Versatzstücke nehmen breiten Raum ein, überdecken die Wahrnehmung jedoch nicht, sondern treten mit ihr in Gespräch. Dieser Drang nach Kommunikation lädt dazu ein, die Nähe zwischen Gemälde und Drama zu bedenken. Die Schriftfragmente auf den Bildlandschaften lassen sich als Inszenierung eines wechselseitigen Dialogs verstehen. Die Schrift tritt aus ihrem herkömmlichen Kontext, verweist aber dennoch auf etwas Neues. Dadurch kommt eine Bezugnahme zustande, die auch den Betrachter unmittelbar in den Rezeptionsprozess einbindet. "Arthus Kostners Ausstellung im Lanserhaus ist geradezu ein erholsames Kontrastprogramm zu unserer reizüberfluteten Vorweihnachtszeit"glaubt Florian Egger vom Bildungsausschuss Plattform.Kultur St. Michael. Die Vernissage findet am Samstag 05. Dezember um 18.00 Uhr statt. Die Ausstellung bleibt bis zum 23. Dezember jeweils von Dienstag bis Sonntag von 16.00 bis 19.00 Uhr zugänglich an Wochenenden auch vormittags von 10.00 bis 12.00 Uhr. Alle sind herzlich bei freiem Eintritt in das Lanserhaus eingeladen